Vingadora (2026): a mãe como arma e o erro da crítica ao julgar o filme

Milla Jovovich volta às telas em um filme que a crítica especializada desprezou, mas que coloca na mesa uma questão que o cinema de ação raramente resolve com honestidade: o que acontece quando a mulher mais perigosa da sala também é mãe?

A cena de abertura de Vingadora (Protector, 2026) já é uma declaração de princípios. 

Antes de qualquer perseguição ou tiro, Milla Jovovich para diante de um fundo completamente preto e olha diretamente para a câmera. Ela narra sua própria história. Não espera que ninguém a apresente. 

Essa pequena decisão formal diz mais sobre o filme do que qualquer linha de crítica convencional conseguiu capturar.

Um Frankenstein de influências: quando o filme não quer se encaixar

Vingadora é, antes de tudo, um produto híbrido e assumidamente perturbador em sua composição. O diretor Adrian Grünberg, mexicano responsável pelo controverso Rambo: Até o Fim, trabalha a partir de um roteiro assinado pelo sul-coreano Bong-Seob Mun. 

A combinação é, no mínimo, desconcertante. As brincadeiras temporais, as quebras de quarta parede e as reviravoltas que marcam o ritmo do filme carregam claramente a influência do thriller de ação coreano — o mesmo universo que produziu Força Bruta e Oldboy.

Só que há uma diferença fundamental entre Vingadora e esses referenciais: quando os coreanos abraçam a artificialidade do gênero, fazem isso com cineastas e atores completamente entregues à loucura do dispositivo. 

Aqui, a parceria internacional produz um filme meio Frankenstein — partes que não se encaixam perfeitamente, mas que, nos momentos em que funcionam, funcionam com uma audácia genuína.

A pergunta que o filme levanta sem nunca responder diretamente é: quanto dessa artificialidade é falha de execução, e quanto é escolha deliberada de um filme que não se leva a sério porque não precisa?

Nikki e o arquétipo da mãe armada no cinema de ação

Nikki não é uma personagem nova. Ela habita um arquétipo que o cinema de ação contemporâneo vem construindo com certa insistência desde Atomic Blonde e The Old Guard: a mulher treinada para matar que o mundo preferiu esquecer, até que o mundo cometeu o erro de tocar em algo que ela ama.

O que Vingadora faz com esse arquétipo é menos sofisticado do que poderia ser, mas mais honesto do que parece. Nikki não é apresentada como uma supermulher imune à dor. Ela apanha. Ela erra. Ela sangra. 

Milla Jovovich, que construiu sua carreira sobre esse tipo de corpo em ação — desde Alice em Resident Evil até produções menores —, usa aqui algo que o tempo lhe deu: credibilidade física temperada pela idade. O corpo que envelhece e ainda assim persiste tem um peso simbólico que nenhum efeito especial substitui.

Isso importa porque o filme, em seu núcleo emocional, não é sobre vingança. É sobre recusa. Nikki se recusa a ser a mãe pacífica que o mundo esperava que ela se tornasse ao abandonar o campo de batalha. Quando sua filha Chloe é sequestrada por uma rede de tráfico humano, essa recusa se torna política.

Os limites da fórmula: onde Vingadora (2026) falha — e por quê

Seria desonesto ignorar o que Vingadora não resolve. O roteiro de Bong-Seob Mun estabelece um conflito que tem potencial para ser mais denso do que é entregue. 

O tráfico humano aparece como cenário, não como problema. Os personagens secundários existem como obstáculos ou ferramentas narrativas, não como pessoas. 

Matthew Modine, como o coronel que funcionaria como âncora moral da história, cumpre um papel que parece saído diretamente do manual do gênero — o superior que explica ao mundo quem é a protagonista, como Richard Crenna nos filmes do Rambo.

Há também um uso excessivo de câmera lenta e enquadramentos escuros que em alguns momentos dificultam, ao invés de potencializar, a leitura da ação. 

O filme tangencia discussões sociais relevantes sem encontrar densidade para sustentá-las — e em certos momentos celebra o aparato militar americano com um entusiasmo que contrasta com qualquer leitura crítica que o próprio roteiro parece querer insinuar.

Você já se perguntou o que separa um filme B honesto de um filme B que simplesmente desistiu? Vingadora vive nesse limiar de forma incômoda.

Entre crítica e público: o que o mercado realmente quer ver

Vingadora estreou com 19% no Rotten Tomatoes. O número é revelador — mas não necessariamente sobre a qualidade do filme. Ele revela, sobretudo, o abismo entre o que a crítica institucionalizada considera digno de atenção e o que o público que vai ao cinema às quartas-feiras à tarde realmente busca.

Há um mercado vasto e consistente para o cinema de ação B com protagonistas femininas. É o mesmo mercado que sustentou seis filmes de Resident Evil, que colocou Charlize Theron em Mad Max e que transformou Karen Gillan em uma estrela de ação improvável através dos Guardiões da Galáxia. 

Vingadora não está inventando uma demanda. Está respondendo a ela com os recursos que tem.

O dado que importa: o filme chegou aos cinemas brasileiros em 26 de março de 2026 e já movimenta discussão nas redes sociais com uma energia que filmes supostamente melhores raramente conseguem.

Vale a pena assistir Vingadora (2026)?

Sim — mas não pelos motivos que a crítica costuma valorizar.
Vingadora (2026) funciona mais como experiência do que como obra “bem resolvida”.

Qualquer análise de Vingadora que ignore o seu desfecho é uma análise incompleta. Sem revelar o que acontece, é possível dizer que o final do filme foge do esperado com uma ousadia que desestabiliza o contrato básico que o espectador estabeleceu com a narrativa desde o primeiro ato.

É genuinamente de cair o queixo — e não porque é particularmente sofisticado, mas porque, num gênero que vive de previsibilidade, fazer uma aposta assim é um ato de coragem ou de loucura. Possivelmente os dois ao mesmo tempo.

E talvez seja exatamente isso que torna Vingadora um filme mais interessante do que suas críticas deixam parecer: não o que ele acerta, mas a disposição com que arrisca errar.

Nikki para diante da câmera no começo do filme e conta sua própria história. 

Ao final, fica a sensação de que o filme fez o mesmo — narrou a si próprio sem pedir permissão, sem se desculpar pelo que é, e sem prometer ser o que não pode ser. 

Numa indústria que cada vez mais prefere a segurança ao risco, isso ainda conta alguma coisa.