A Odisseia: Homero pela lente fria de Nolan

Há uma cena, lá pelo segundo ato, em que Odisseu se amarra ao mastro do navio para resistir ao canto das sereias. É um momento pequeno, quase de câmara, dentro de um filme que custou uma fortuna e ocupa telas IMAX de ponta a ponta.

E é justamente nesse contraste — entre o gesto íntimo e a ambição monumental — que se decide o destino de A Odisseia, novo filme de Christopher Nolan: uma obra que impressiona pela artesania e pela coragem de adaptar Homero sem se travestir de fantasia de estúdio, mas que nem sempre sustenta, na experiência, o peso emocional que promete.

Um Nolan que não muda de sotaque

Depois de vencer o Oscar com Oppenheimer, Nolan tinha um caminho óbvio pela frente e escolheu o oposto dele.

Em vez de repetir a fórmula do thriller de prestígio, foi buscar na Odisseia de Homero um material que, à primeira vista, não combina com sua assinatura fria e racionalista. Deuses, monstros, magia: tudo aquilo que o diretor de Interestelar e A Origem normalmente evita.

A aposta do filme, porém, é não se transformar para caber na mitologia grega — é dobrar a mitologia grega ao próprio vocabulário do diretor.

Não há espetáculo gratuito de efeitos especiais; há locações reais, câmeras IMAX e um elenco (Matt Damon, Anne Hathaway, Tom Holland, Zendaya, Charlize Theron, entre outros) tratado com a mesma seriedade dramática que Nolan reservaria a físicos nucleares ou ladrões de sonhos.

É uma escolha ousada, e funciona: o filme nunca soa como pastiche de épico de aventura. Soa como Nolan.

Quando a mitologia aprende o idioma de Nolan

A crítica de um filme desse porte só se sustenta se for além do “é bonito” ou “é longo”. Vale isolar três frentes.

Primeiro, a estrutura temporal. Nolan usa a não linearidade típica de sua filmografia para intercalar a jornada de Odisseu com os vinte anos de espera de Penélope e a busca de Telêmaco.

A escolha funciona bem quando aproxima o trauma de guerra do protagonista da ausência sentida pela família — o filme ganha ali uma camada de culpa que poucos épicos de aventura se permitem explorar.

Funciona menos quando o ritmo do primeiro ato, concentrado no lado de Telêmaco, se arrasta antes de a trama realmente engatar.

Segundo, os grandes set pieces mitológicos.

O confronto com o ciclope Polifemo e a passagem pela ilha de Circe são os pontos mais fortes do filme: ali, o horror físico e o mal-estar corporal substituem o espetáculo digital, e a tensão nasce do que os corpos sofrem, não do que a computação gráfica produz.

Já a criatura Cila, quando o filme finalmente recorre a efeitos totalmente digitais, expõe o contraste — é a cena em que a artesania prática, marca registrada de Nolan, faz mais falta.

Terceiro, o elenco.

Matt Damon carrega o peso moral do filme com uma economia de gestos que convence; Anne Hathaway transforma a espera de Penélope em algo mais amargo do que resignado, o que evita o clichê da esposa fiel e sofredora.

Tom Holland é o elo mais instável: bem quando o roteiro finalmente lhe dá espaço para reagir, mas apagado nos primeiros trinta minutos, quando o filme ainda está armando as peças.

Quando o épico sufoca o humano

A maior tensão de A Odisseia é justamente entre grandeza e intimidade. Nolan é frequentemente acusado de manter distância emocional de seus personagens, e aqui ele parece querer provar o contrário — mas nem sempre consegue.

As cenas de maior escala, como a queda de Troia, impõem respeito visual sem gerar comoção; é nos momentos pequenos, como Odisseu sentado numa escada confessando seu cansaço, que o filme realmente comove.

Em outras palavras: o filme é mais poderoso quando esquece que precisa ser um épico.

Há também uma ambição de marketing — o rótulo de “épico do século” — que a própria obra não cumpre integralmente.

Não é falha de execução técnica, é desalinhamento de expectativa: o que o filme entrega de melhor é reflexão sobre culpa e identidade, não espetáculo puro, e vender-se como a segunda coisa pode frustrar quem espera a primeira.

O Odisseu de Nolan é diferente do de Homero?

Nolan já havia explorado a genialidade que se volta contra o próprio criador em Oppenheimer. Em A Odisseia, ele encontra o mesmo tema num personagem fundador da cultura ocidental: o herói que, ao vencer a guerra, descobre que a vitória tem um preço que não termina no campo de batalha.

Num momento em que o cinema blockbuster é dominado por universos compartilhados e fórmulas replicáveis, ver um estúdio bancar um épico autoral, de quase três horas, sobre culpa e retorno ao lar, é por si só um dado cultural relevante — trata-se de uma aposta rara.

O Odisseu de Homero não é apenas um homem traumatizado tentando voltar para casa. É também vaidoso, mentiroso, sedutor, estrategista e frequentemente responsável pelos próprios desastres.

Sua inteligência — a métis dos gregos, uma combinação de astúcia e capacidade de adaptação — é ao mesmo tempo aquilo que o salva e aquilo que o coloca em perigo.

Nolan enfatiza outra dimensão. Seu Odisseu parece menos interessado na glória do herói e mais assombrado pelo preço dela. A guerra permanece nele como uma dívida que o retorno não consegue apagar.

É uma interpretação coerente com o cineasta de Oppenheimer: homens capazes de feitos extraordinários descobrindo que realizar algo grandioso não significa sobreviver moralmente às consequências.

O filme encontra Homero?

A Odisseia não é o “épico do século” anunciado, mas é o filme mais coerente que Nolan poderia ter feito depois de Oppenheimer: uma reflexão sobre o custo humano da grandiosidade, contada por um diretor que insiste em não abrir mão da sua.

O filme tropeça no ritmo e às vezes confunde escala com emoção, mas acerta justamente onde importa — no momento em que Odisseu, amarrado ao mastro, escolhe ouvir a verdade em vez de fugir dela.

Nolan faz o mesmo: amarra-se à própria obsessão e, contra a maré do blockbuster fácil, resiste.